Tim Hecker: quando l’ambient canadese subisce il fascino islandese

Mi è capitato di recente per un articolo, relativo a Tim Hecker: “E chi cazz’è?” dirai tu. Ecco giusto appunto, è ciò che ho pensato io…

Così, un breve articolo si è trasformato nella scusa per ascoltare ore di drone (musica minimalista che prevede lunghe suite con lievi variazioni armoniche). Per riprendere in mano matasse sonore, elettroniche e dilatate, abbandonate da quando ne ho fatto indigestione scrivendo sulla Kosmiche Musik (mai fare tesi di laurea su argomenti che si amano davvero, pena il rischio di passare dall’amore all’odio in tempo record).

Ma musica crucca a parte, l’album di Hecker, Ravedeath 1972, è stato davvero una bella scoperta del panorama sonoro del 2011: un disco ambient che trasuda ghiaccio da ogni suo pezzo. E non a caso, come ho appreso dal web e ho riportato su Zero, il buon Tim per registralo si è spostato dal gelido Canada all’altrettanto gelida Islanda…

Reykjavik, una chiesa e un organo a canne. Tre elementi che triangolano perfettamente i paesaggi sonori di Ravedeath 1972, gioiello drone che ha aperto l’anno lasciato alle spalle. Lui, che nel ‘72 non era neanche nato, è Tim Hecker: canadese, classe ’74, e come molti nordamericani (The Album Leaf, Bonnie Prince Billy) sedotto dall’algida Islanda. Ma a febbraio a vibrare non saranno le navate islandesi, bensì le pareti dell’Auditorium Carmine. Così, segno in agenda e intanto rifletto: se nelle chiese italiane suonassero questa musica, non dico che diventerei cristiano, ma di certo praticante (via Zero)

Il caso di Hecker mi ha fatto riflettere sulla crescente fascinazione musicale per il paese dei Sigur Ros, di Bjork e delle Amiina. Non è scorretto infatti parlare di una scena musicale islandese di ispirazione elettronica/post-rock, la cui eco ha valicato l’oceano, tanto da generare fenomeni di “pellegrinaggio”, un po’ come Bowie quando raggiunse la Berlino Cosmica dei Kraftwerk. Magari approfondirò la questione ascoltando altri artisti e condensando il tutto in un post…

Intanto, dopo aver scoperto e apprezzato Hecker, ti consiglio un paio di tracce estratte dal suo Ravedeath 1972. Buon ascolto.

Sanremo 2012: la pagella di Gbø

Alle polemiche relative alla truffa di Sanremo Social, hanno fatto seguito quelle più banali dei primi giorni: probabilmente l’ingessato pubblico italico non aveva mai visto una sorca (quella di Belen) e due uomini baciarsi. Ma lasciamoli navigare nel loro stupore e concentriamoci su quello che – Celentano permettendo – dovrebbe essere il centro di Sanremo.

Marlene Kuntz - Canzone per un figlio non segna la fine dei Marlene, quella la daterei due album fa, ma certo ne testimonia il rigor mortis. L’idea di inserire le trombe nel sound Marlene segna una volontà di evoluzione, ma è un’evoluzione incoerente con l’identità della band. E quando vedi che anche il testo, in genere fiore all’occhiello di Godano, rasenta la mediocrità, capisci che c’è poco da salvare nella barca che affonda. Un fiore per i Marlene; che sono morti e non lo sanno.

Emma Marrone – Si presenta con un pezzo che pretende di essere impegnato. Ma è credibile come un Teletubbies che conduce il telegiornale.

Nina Zilli – La prima notizia è che la Zilli ha cambiato decennio: dal look anni’50 è passata agli anni ’60. Complice la fine dell’era Winehouse? Chissà. Sta di fatto che, oltre all’eleganza, colpisce la compostezza vocale.  Il pezzo? Molto Mina style, non stupisce ma comunque convince. Brava Nina.

Dolcenera – Look galattico in bilico tra figlia di Spock e figlia della Bertè, la salentina presenta un pezzo leggero e orecchiabile che conferma la tendenza dance in cui si è infilata. Passerà in radio, e dato che questo era l’obiettivo, missione raggiunta. Contenta lei.

Gigi D’Alessio e Loredana Bertè – Il pezzo andrebbe bene su un CD di Alan Sorrenti. Angelino Alfano, ehm Gigi D’Alessio è impacciato e fuori luogo come un elefante in una cristalleria. E per giunta abbastanza stonato. Però Loredana Bertè, con quel broncio, è una delle immagini più belle della musica italiana. E sono serio.

Noemi -  Meravigliosa come sempre. Voce in grande spolvero, roca al punto giusto. La canzone non è affatto male: Fabrizio Moro non è un cattivo cantautore. L’unico rischio per Noemi è quello di appiattirsi troppo sul l’immagine della Vasco al femminile, considerando le derive vaschiane del buon Fabrizio; una scelta artistica che non le giova perché la vocalità di Noemi è infinitamente più bella e raffinata del raglio del popper di Zocca. Ma bando alle critiche: il pezzo c’è, e lei e l’interpretazione ancor di più.

Pierdavide Carone e Lucio Dalla - Al Bano ha lanciato un trend: parlare di troie a Sanremo. E il duo Dalla-Carone  lo segue a ruota.

Chiara Civello – Peccato. Lei è una grande del jazz, ma il pezzo è troppo, troppo sanremese. Un’occasione persa.

Arisa – Visto che Arisa sta diventando sempre più un idolo gay, mi aspettavo un pezzo più furbetto e frociarolo. Invece eccola con una ballatona a ribadire il suo lato più tenero. Bella la strofa, ben più banale il ritornello. Non so se ha l’X Factor, ma sta a galla.

Samuele Bersani – Appena l’ho sentito ho detto: “Provaci ancora Sam”. In realtà il pezzo, simpaticamente retrò, cresce molto con gli ascolti. Carina la strofa, molto-molto De Andrè nel modo di articolare le frasi. Bello il giro di piano e l’intreccio della chitarra elettrica. Il ritornello è orecchiabile ma un po troppo’ à la Arisa. In definitiva una bella canzonetta.

Irene Fornaciari – Arriva coperta da un pleid e presenta un pezzo (targato Van De Sfroos) che piacerebbe ai nuovi Cranberries. Non male. Solo ditele di non agitarsi tanto. È sul palco dell’Ariston, non di Woodstock.

Matia Bazar – Silvia Mezzanotte rende onore al suo patronimico con un look draculesco. Sul pezzo poco da dire: i Matia Bazar sono l’esempio vivente che in Italia la raccolta differenziata si fa eccome. C’è chi, come loro, si ricicla stancamente da 20 anni.

Eugenio Finardi – Non male il caro Eugenio. I tempi di Extraterrestre sono lontani, ma il brano, anche se in bilico tra il Vecchioni dell’anno scorso e le ispirazioni celtiche di Branduardi, ha una sua fluidità e gira bene. Forse un po’ santone pace&amore, ma si sa è l’età.

Francesco Renga – Nessuno se ne accorge mai, ma Renga è da 4 Sanremo che canta sempre la stessa canzone. Ma io l’ho sgamato. Sì sì.

Il vero scandalo dello show di Marilyn Manson a Milano – Apprendo la notizia dagli amici di MusicaMetal e poi spulciando il Corriere. In seguito alla comunicazione della data milanese dell’11 luglio del Reverendo, il capogruppo milanese del pdl Carlo Masseroli ha dichiarato:

«Voglio sapere dalla giunta e dall’assessore Stefano Boeri se corrisponde al vero che il concerto di Manson si terrà all’interno del Milano Jazzin’ Festival e se il Comune patrocinerà l’evento. Ritengo che un concerto del genere sia impatrocinabile da un ente pubblico. È inaccettabile».

Insomma dopo il blocco del LiveMi, ecco un altro effetto sul mondo muiscale del vento pisapia

Scherzi a parte, quando  un politico, per giunta ottuso, strumentalizza la musica senza sapere un’acca di ciò di cui parla, vorrei morire. E sul tema Manson sono molti i politici caduti sulla buccia di banana. Ricordo, nel 2003, quando Brian Warner era davvero famoso e sulla bocca di molti, destra e sinistra si trovarono finalmente(!) unite su una questione: “Il concerto di Manson non s’ha da fare, perché è l’Anticristo”. Allora la Lega ebbe il coraggio di esprimersi dicendo: “Incita alla violenza”. Cazzo, da che pulpito! 

Un coro di scimmiette stupide, che sono cascate nel trucco del Mangiafuoco Manson, diventando burattini del suo artefatto ma mirabile teatrino. Nel coro all’epoca c’era anche la voce di Masseroli - recidivo! – che firmò in passato la mozione antirockstar, esempio della stupidità a cui può arrivare il politico medio.

Oggi quella scena si ripete, eppure nessuno dice nulla su quello che – a mio parere – è il vero scandalo dietro lo show del Reverendo. Quale?

Semplice: Marilyn Manson al Milano Jazzin’ Festival? Ma che ha di jazz?

Sto scherzando? Stavolta no,  perché il caso mi ricorda molti cartelloni i cui buchi vengono riempiti con artisti assolutamente incoerenti con lo spirito della manifestazione. Per comodità vero, perché in tour c’è un dato artista ed è una scelta facile tirarlo in ballo, ma anche per ignoranza dei curatori.

Dunque se non lo sapevi ora lo sai: Marilyn Manson fa jazz (sigh!). Come dice Nonna Asia: “Po’ra Italia”.

Black Rainbow Remix – Gli Aucan e la Youtube release

Ma il motivo di questo post non sono le doti dei tre, ma il loro ultimo album, Black Rainbow Remix, e in particolare l’idea di trasformarlo in una Youtube release…

Di che si tratta? Ogni settimana verrà una nuova canzone postata in anteprima sulla pagina YouTube della band, fino alla pubblicazione ufficiale. Infatti, come sempre accade per i dischi fluidi (Bjork, Kaiser Chief ecc.) non mancherà la classica release fisica. In particolare, il disco uscirà in Italia per mano de La Tempesta e in Europa per Jarring Effects, storica etichetta dub-electro.

Se è vero che  in molti hanno conosciuto gli Aucan proprio con un remix, Razzia Arpia Inferno e Fiamme dei bergamaschi Verdena – uscito nell’album Radar – Ejabbabaje – ora sono loro  ad essere oggetto di remix. E di remix non di poco conto, mi viene da dire.

Storm, prima traccia, pubblicata una settimana fa, vede la collaborazione di Will Brooks, mc di fuoco e leader di Dalek e IconClass. Il risultato è una rilettura hip-hop dell’originale che crea variazione rispetto alll’originale, rispondendo positivamente alla mia teoria per cui una cover o un remix lo si fa se si è in grado di mettere in evidenza potenzialità nascoste nell’originale.

E oggi arriva la seconda traccia: Blurred, remixata da Shigeto, con tanto di percussioni in primo piano.

Io approvo forma (youtube release) e sostanza (musica). E anche molto.

E tu?

Madonna – Give me all your luvin: perché Madonna crea hype non tendenze

E ora che il singolo è uscito accompagnato dal video ho pensato di postarlo su queste pagine accompagnato da un commentìno…

Diciamolo una volta per tutte. Che Madonna sia un’icona è un fatto certo. Che abbia dato spesso il la a mode di ogni tipo anche. Ma che Maddy abbia creato (ex-novo) tendenze musicali quello no. Tutt’ al più le ha seguite, e lo ha fatto quando erano già affermate vigorosamente. È il caso del disco Anni Zero Confession on a Dancefloor, che esce quando anche la dance, sia nella sua accezione anni ’90, che in quella disco ’70, era già tornata alla ribalta.

Give me all your luvin’ non è da meno. Esce quando il sound di Micky Minaj e M.I.A. si è fatto iper-pop ed è stato ormai digerito da milioni di ascoltatori ben poco riottosi. Ma nessun problema in tutto ciò. Chiarito che le doti previsionali di Madonna non sono elevate come si dice/si pensa, il brano dimostra comunque la furbizia di Maddy nel cambiare faccia e nel farsi accompagnare sempre da giovani pulzelle che le ringiovaniscono l’immagine.

Allora dove sta il problema?

Semplice. Nel fatto che Madonna (nel suo delirio di onnipotenza?)  relega la carica esplosiva di Nicki e M.I.A. a un piccolo cameo pseudo rap posto nel ponte dopo il secondo ritornello. Scelta classica, consueta, vero, ma che neutralizza il potenziale delle due bad gggrl.

Peccato perché il pezzo in sé è un azzeccatissimo. Una hit trash-pop leggera e frizzante (come la solo la Ferrarelle) che spopolerà presto nelle discoteche, gaie e non.

Rimane il fatto che Maddy poteva assestare un colpo molto più mirato. Ma la tattica markettara è questa. Dare il senso di evoluzione, ammiccare a qualche altro fan, fare notizia, generare hype,  senza mai però evolversi in modo sostanziale.

Comunque io la pensi sarà un successo.

Miami Ancora: Dente Delu-Dente e show degli Aucan incandescente - Ieri sera la Milano rock-addicted si è riunita agli East End Studios per un appuntamento da non perdere: il Miami Ancora. Niente idroscalo e caldo afoso del gemello estivo, ma comunque dieci ore d’indietalico che hanno riscaldato un inverno gelido come pochi.

Non arrivo in tempo per i primi gruppi, ma abbastanza presto per ascoltare Maria Antonietta. Performance sca-dente, però. Se già il passaggio alla forma italiana ha fatto perdere tanto alla 24enne marchigiana (concordo pienamente con Emacore), l’opzione concerto “chitarra e voce” presentata al Miami mette in evidenza tutto il carattere acerbo della sua voce e del suo sound.

Dopo di lei, vanno decisamente meglio gli A Classic Education, di scena sul palco principale. Sebbene io abbia qualche difficoltà a sentire la voce di Jonathan Clancy senza pensare ai Settlefish di Oh Dear! E se già con gli ACE gli East End si stavano riempiendo, con l’arrivo di Dente l’operazione riempi-sala si conclude a meraviglia. Segno che il menestrello di Fidenza è headliner non a caso.

Ascoltando le sue canzoni, però, prendono una forma compiuta alcuni pensieri che già avevo in testa. Il primo positivo, gli altri due no.

1) Dente è uno dei pochi veri cantautori italiani odierni, perché sa raccontare (E non è un caso se quando l’ascolto penso a Battisti)

2) (allo stesso tempo) Dente è sopravvalutato, come giustamente dice Roby di Roar. Non ha abilità nelle melodia vocali, che scorrono piatte e grigie senza attaccarsi in testa (a differenza di quelle di Battisti)

3) Dente è terribilmente (e forse consapevolmente) antipatico. E l’apatica interazione col pubblico del Miami, portata avanti a suon di stanchi “E voi come state?” me lo ha confermato.

Morale della favola: pubblico moscio che si è animato solo quando il nostro ha annunciato gli ultimi due pezzi (si sono levati in aria molti “Finalmente” e “Ah meno male”). Insomma, performance delu-Dente.

Di tutt’altra pasta lo show degli Aucan, da Brescia con furore. Quando salgono sul palco sto finendo di trangugiare il mio cartoccio di patatine fritte. Particolare non secondario perché per tutto il concerto del trio bresciano ho tentato di far scendere giù per la gola un bolo di patatine, ma la potenza dei  bassi lo riportava su instancabilmente.

Show ad alto impatto sonoro e visivo: al centro Dario Dassenno e la sua batteria robusta, e ai due lati Francesco D’Abbraccio e Giovanni Ferliga, che si alternano tra synth cattivi e chitarre distorte. Il tutto per una mezz’ora ipnotica in bilico tra nu-rave, trip-hop scuro e industrial.

Così, INFINITAMENTE più potenti live che non sul disco, gli Aucan si confermano una delle cose più belle del 2011 e (a mio parere) i best performer del Miami.

PS: dato che (ahimè) non godo della bilocazione nel mentre mi sono perso un paio di bei concerti nella saletta di Jack: dunque lascio a te la parola sugli artisti che non ho ascoltato.

Lana del Rey: se critica e pubblico si incontrano a Teano - Tra il parlare bene e il parlare male i critici preferiscono sempre la seconda strada. E’ innegabile.

Così come è vero che qualsiasi cosa abbia successo per un critico perde valore: come se il congiungimento dell’oggetto di valore-canzone con il grande pubblico lo allontanasse contemporaneamente dal recensore, affezionato com’è solo alle canzoni per le quali può esclamare con spocchia “Sì, ma la conoscevi questa?”

Tutto vero. E io non sono da meno. Ma non sempre questa teoria è valida, come dimostra l’assoluto  consenso tra critica e pubblico circa le doti di Adele, Amy Winehouse e, più recentemente, di Lana del Rey.

Il suo singolo Videogames, infatti,  non ha fatto breccia solo nei cuori di tantissimi ascoltatori, ma anche nelle orecchie ostinate di blogger, recensori, esperti del settore, che hanno presto eletto Lana la Nancy Sinatra degli anni ’10.

Passano i mesi e la bellissima Lana lancia il suo album Born to die accompagnato dall’omonimo singolo. Voce suadente, arrangiamento maestoso con gli archi in primo piano e melodia che induce al re-play ossessivo. Inevitabile il primo posto in (ben) 11 paesi.

Ma con la nuova uscita qualcosa si rompe nel sodalizio Lana-critici. Il web comincia a pullulare di critiche, accuse di tradimento. Lana non sarebbe “una cantautrice indie” ma la figlia di un milionario con i vestiti sempre griffati, le labbra rifatte, uno staff di comunicazione&marketing alle spalle e una major alle spalle dello staff (caspita che inedita gravità!)

Leggo questi post e mi dico: quanto è ottuso il cosiddetto mondo indie? Così impegnato a creare valore attraverso la negazione, così impegnato a darsi valore – ma soprattutto –  così impegnato a decifrare dettagli superficiali (labbra, babbi, ecc.)  da non riuscire a godersi la bellezza della musica.

Io per fortuna me ne frego, e ti dico che questo disco è una bellissima chicca pop, e che il nuovo singolo Born to Die  è semplicemente da ascoltare e riascoltare. E mi sa che non sono il solo a pensarla così… O sbaglio?

E domani verrà presentato alla FNAC di Via Torino, Milano – aka una delle mie seconde case milanesi – accompagnato da un docufilm di mezz’ora sul making of del disco, che vede tra gli ospiti Caparezza, Rodrigo D’Erasmo, Andrea Appino, Aucan, Davide Toffolo.

Spero di riuscire a fare un salto per farmi un’idea e buttare giù due righe, sebbene i programmi di domani siano di stampo indie-cinefilo.

Certo è che il primo singolo, Io cerco te, non mi dispiace, ma non mi convince del tutto. Mi sembra che il Teatro stia inquadrando la sua musica in un post punk quadrato e orecchiabile (un po’ come avvenuto sul fronte Nu Metal con i Linea 77 una manciata d’anni fa); ma spero che le altre 15 canzoni mi smentiscano.

Qui il video di Io Cerco te. Tu che ne pensi?

Megafaun: folk e barbe made in USA

A proposito di una band, i Megafaun, è uscito da poco un mio articolo sulle pagine cartacee e virtuali di Zero, scritto in vista della loro data del 9 febbraio al Bronson di Ravenna.

Il mutamento fonetico in una parola è un piccolo esempio di teoria delle catastrofi. Una leggera trasformazione del significante crea un cambiamento molto più grande sul piano del significato. Esempio: se privassimo Megafaun di una “A” verrebbe fuori Megafun, nome più adatto a una band pop-punk e lontano dal mood del trio: spensierato, ma non iperdivertente. Un folk-pop simile a quello dell’amico Bon Iver? In (gran) parte sì, ma cosa aspettarsi da due ex parti d’una stessa mela (i DeYarmond Edison)? D’altronde anche la provenienza geografica è la medesima, quella provincia statunitense fucina di barbuti e culla dell’americana contemporanea, e il sangue non è mica acqua.

Chiusa la parentesi Zero, e immergendomi in GoodbyeZero, mi chiedo il perché più profondo di questo rinnovato interesse; soprattutto considerando che di tutto si tratta fuorché di un genere catchy e acchiappa-ascolti. E siccome me lo chiedo veramente, e non per modo di dire, volgo la domanda retorica in una domanda effettiva: cosa diavolo si nasconde dietro tutto questo interesse per i barbuti del folk americano? Voglia di America? Ritorno al passato? Ri-affermazione del cantautorato?  Movimento di autenticazione che porta gli indie con le loro camicie a scacchi a ricongiungersi con i legittimi indossatori dell’indumento? O è tutto da ricondurre al crudele ritorno di moda della pelliccia (meglio se targata Annabella di Pavia e vinta grazie al gioco a premi del defunto e trafugato Mike Bongiorno)?

A te la risposta (ma stavolta sono serio)  ;-)

Si parlerà tanto della sua tossicodipendenza, sulle sue sfuriate improvvise (recente quella ai danni di Beyoncé per l’insediamento degli Obama), si indagherà sulla demenza senile che l’aveva braccata.

Ma la verità è che quella che se ne va è una gran voce. E a noi non resta che attaccarci ai suoi dischi e darle un ultimo saluto: Goodbye Miss Peaches.

Dei Marlene Kuntz e dell’Italietta di Sanremo

Due pensieri che volano verso ovest: verso il Piemonte prima, e poi giù verso la riviera sanremese.

Il primo riguarda i Marlene a Sanremo.

Tutti a lamentarsi dei Marlene a Sanremo. Ma che vi lamentate?! (Ma soprattutto) Che vi stupite?! Da Bianco Sporco i Godano e soci hanno staccato il piede dalla pedaliera addolcendo il loro sound: maturità artistica per alcuni, demenza senile per altri. Io mi pongo in mezzo, anche se pendo di più per la demenza. Ma poco importa. Il punto è che, calo o non calo, già un brano come Bellezza (di ben 7 anni fa) poteva perfettamente uscita da Sanremo. Così dolce, così quadrata, così bella e così prevedibile (come un ambarabacicicocò).

Dunque la notizia dei Marlene all’Ariston per me non è una stranezza, ma una conferma.

Il secondo pensiero riguarda Sanremo, Marlene a parte.

Mi chiedo: che diamine di senso ha far cantare gli artisti italiani con gli artisti stranieri, facendo per giunta cantare loro  una canzone diversa da quella in gara? Per carità, se vedrò il Festival, mi godrò Patti Smith, Nina Hagen, Gorna Bregovic, Brian May (e si parla anche di Stevie Wonder!). Eppure trovo penoso che un manifestazione di musica italiana, per mettere pepe alla sua scena musicale, abbia bisogno di innesti internazionali. Ma soprattutto, trovo pacchiana la celebrazione dell’italianità fatta da artisti stranieri (le canzoni in questione saranno classici della muisca italiana tradotte in inglese, tedesco ecc.) e vedendo la cosa dall’altro lato, trovo provinciale che si senta il bisogno di chiamare icone internazionali per accreditare la bontà della proposta tricolore, come in una forma di legittimazione figlio-babbo.

Un’altra, l’ennesima, mossa sbagliata da Morandi. E in tutto ciò, solo due parole (le solite)possono esprimere il mio sdegno: Po’ra Italia.

PS: Giusto per capirci, ecco qui la lista dei partecipanti, delle canzoni e dei duetti:

Nina Zilli - “Per Sempre”/ “Never Never Never” (”Grande Grande Grande”) con Skye

Samuele Bersani - “Un Pallone”/ “My Sweet Romagna” con Goran Bregovic

Dolcenera - “Ci Vediamo A Casa”/ “My Life Is Mine” (”Vita Spericolata”) con Professor Green

Pierdavide Carone e Lucio Dalla - “Nanì”/ “Anema E Core” con Mads Langer

Irene Fornaciari - “Il Mio Grande Mistero”/ “I Who Have Nothing” con Bryan May

Emma - “Non E’ L’Inferno”/ “If Paradise Is Half As Nice” (”Il Paradiso”) con Gary Go

Matia Bazar - “Sei Tu”/ “Speak Softly Love” con Al Jarreau

Noemi - “Sono Solo Parole” / “To Feel In Love” (”Amarasi Un Pò”) con Sarah Jane Morris

Francesco Renga - “La Tua Bellezza” / “El Mundo” (”Il Mondo”) con Sergio Dalma

Arisa - “La Notte” / “Que Serà” con Josè Feliciano

Chiara Civelli - “Al Posto Del Mondo” / “You Don’t Have To Say You Love” (”Io Che Non Vivo Senza te”) con Shaggy

Gigi D’Alessio e Loredana Bertè - “Respirare” / “Auf Der Wel” (”Piccolo Uomo”) con Nina Hagen

Eugenio Finardi - “E Tu lo Chiami Dio” / “Surrender” (”Torna a Surriento”) con Noa

Marlene Kuntz - “Canzone Per un Fuglio” / “The World Became The World” (”Impressioni di Settembre”) con Patti Smith

Perché dico questo? Perché Jay-Z ha MAL pensato di campionare i vagiti della neonata Blue Ivy Carter e di inserirli in un brano dal titolo Glory(!)

Se stai pensando che si tratti di una bieca e squallida operazione commerciale stai pensando bene. Il singolo è uscito un paio di giorni dopo la nascita della piccola, avvenuta il 7 gennaio, giusto per svuotare le tasche degli americani più teneroni. Tra l’altro, essendo entrata nella top100 di Billboard, c’è già chi parla di record: nella fattispecie saremmo di fronte alla canzone entrata in classifica con l’interprete più giovane(!) (non vi linko il blog, ma una cazzata del genere, seriamente e non con l’ironia di Spetteguless, la poteva dire tommi***mi).

Se poi stai pensando che, oltre a essere una mossa commerciale, l’operazione è anche molto pacchiana, stai pensando doppiamente bene; e a confermarlo non ci pensa solo il vagito dell’ignara Blue, ma anche le parole rappate da Mr. Carter che prima ci svela i suoi drammi familiari:

Your grand pop died of liquor failure, then he died of liver failure

Poi svela particolari grotteschi relativi al concepimento:

But you was made in Paris and mama woke up the next day and shot her album package

Per poi concludere con un risvolto inquietante

Last time the miscarriage was so tragic, We was afraid you disappeared but nah baby, you magic

unica parte che per dovere di cronaca traduco:

L’ultima volta l’aborto spontaneo è stato terribile, avevamo paura che tu fossi scomparsa ma no piccola, sei magica.

A te i commenti.

Sprawl II: il nuovo video interattivo degli Arcade Fire

Così, dopo il video di We Used To Wait, che sfruttando HTML5 e Google Chrome permetteva all’ascoltatore/internauta di inserire il proprio indirizzo per vedere il proprio spazio cittadino diventare parte del videoclip, ora è la volta di Sprawl II (Mountains Beyond Mountains) e di un’altra forma di interazione… il ballo.

Due gli elementi necessari: una webcam e tanta voglia di dimenarsi come scemi di fronte al proprio computer. La tecnologia dietro al video, infatti, riconosce i nostri movimenti di fronte alla webcam, traducendoli in movimenti dei ballerini nel video. Se si sta fermi le immagini si ripetono in loop, but “The crazier you get the faster the video will go”. E a questo punto non ti resta che fare una prova

Forse meno originale del video di We Used To Wait e certo meno significativo (in quel caso l’iscrizione del proprio spazio urbano nel video si rifà direttamente al tema del vicinato cantato nell’album The Suburbs), questo esperiemento interattivo che accompagna The Sprawl II è comunque un’esperienza musicale nel senso pieno del termine, e dunque un’ottima alternativa al classico e statico videoclip. E poi si abbina benissimo a un brano che è un piccolo, meraviglioso tributo agli anni ’80… e a Cindy Lauper in particolare.

Detto ciò, buona visione e buona danza!

Finalmente Sanremo si fa social

Vabbè, vediamo il lato positivo…

Sanremo Social apre al pubblico dei social media le porte del pre-show, cosa impedita dal Sanremo Lab: poco pubblicizzato, poco visibile e a conti fatti trampolino di lancio (sì, ma) posizionato in un cono d’ombra.

Purtroppo leggendo un post di Davide Maggio, scopro che su quella che poteva essere una bella vetrina, per giunta interattiva, si allungano delle ombre… Come spiega Davide:

È stato, infatti, presentato al Tar del Lazio un ricorso con l’intento di bloccare le selezioni in fase di svolgimento. A presentare l’esposto quattro cantanti che hanno definito «illegittimi e discriminatori i criteri adotatti nel nuovo regolamento». Ad essere contestato è il limite di età dei partecipanti, fissato a 28 anni, mentre negli anni scorsi l’accesso alle selezioni era consentito fino al 36esimo anno…

Critica comprensibile, che dimostra tra l’altro la scarsa conoscenza dei social network da parte dello staff di Sanremo. In pratica, una volta “migrata online”, la sezione Giovani si fa ancora più giovane, come se i social network fossero un linguaggio per post-adolescenti, un luogo poco consono per un 29enne. Ed è così che il tentativo di ringiovanimento della manifestazione si è trasformato in un esempio di giovanilismo.

Nel frattempo, continua la migrazione degli ex-partecipanti dei talent show, alla ricerca di un posto sotto il sole del Sanremo Social: tra cui spiccano Jury ex-X-Factor e Michele Cortese ex-Aram Quartet, che un X-Factor, il primo, lo vinsero. Tenerezza infinita per i ragazzi di Star Academy (e non sono ironico), che attratti dalle spire di Fuckinetti, pensavano di essere davanti a un X-Factor bis. Quando di fatto il vero X-Factor migrava lontano da mamma-RAI.

Dal canto mio, faccio il tifo per Eleonora Mazzotti, che Talent non ne ha fatti, ma che di talento ne ha da vendere, che ha una gran voce (e lo dice anche una voce del calibro di Giorgia), una bella presenza (che non guasta), e che forse un giorno mi accetterà come autore delle sue canzoni.  Non ti piacerebbe vedere Eleonora alle prese col Grunge?

Comunque sia, arriverà lontano, lo so.

PS: Intanto vota qui il tuo preferito (fino all’8 gennaio)

Il Calendisco di Garrincha - 

Ma a questo punto mi sa che lo sostituirò con un calendario musicale che mi proietta in scenari sonori niente male, e per giunta gratuiti.  Sto parlando del Calendisco di Garrincha Dischi.

Dopo l’accattivante compilation CantaNovanta, la nuova idea targata Garrincha è un calendario fatto sì di immagini, 12 illustrazioni ad opera di 12 artisti che si sono divertiti a giocare con le foto dei musicisti firmate da Roberta Sardi; ma anche di musica, 12 canzoni, tra cover e brani originali, che portono i 12 mesi dell’anno già nei loro titolo e che portano la firma dei nomi che gravitano attorno al mondo Garrincha: Nel Dubbio, L’orso, 33 Ore, Jocelyn Pulsar, LE-LI, Chewingum, Mr Brace, Lo Stato Sociale, Matteo Costa, The Luckystrikes, I Camillas, Babalot, Enrico Farnedi.

I brani e il calendario saranno sia disponibili in un’edizione limitata di 200 copie, sia scaricabili dal profilo bandcamp Garrincha dischi a partire dal 7 gennaio, e il download sia dei brani che del pdf con le illustrazioni è assolutamente gratuito. Ed ecco il risparmio rispetto ai viaggi dell’agenzia milanese

7 gennaio dunque. Io però nel frattempo ho dato un’orecchiata ai brani dell’abum e ti dico che la compilation non è solo un bel concept, ma anche una godibile ventata d’indietalico. Giugno finisce sempre con il mare dei Chewingum ti prende subito grazie al suo groove appealing. Festa d’Aprile conferma la dote de Lo Stato Sociale di rendere oro e personale tutto ciò che toccano. Ma il mio pezzo preferito del lotto è Settembre: brano de I Camillas (due che ti consiglio iper-caldamente!), qui reinterpretato da Mr. Brace. Un pezzo che è di una bellezza struggente.

Questa la mia top3, ma ovviamente quando avrai il tuo Calendisco aspetto di conoscere il tuo brano preferito